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攝影書摘~這就是當代攝影 The Photograph as Contemporary Art(上)


先轉錄一下書本的資料以及介紹 

 

這就是當代攝影 The Photograph as Contemporary Art
  • 作者:夏洛蒂.柯頓
  • 原文作者:Charlotte Cotton
  • 譯者:張世倫
  • 出版社:大家出版社
  • 出版日期:2011年07月05日
  • ISBN:9789866179167
◎ 談論當代攝影的重量著作,2004年出版至今熱度不減(中文版譯自2009年最新修訂版)
◎ 238幅代表性影像、214位最重要的當代攝影家
 
以全新的目光,洞察攝影,洞察世界
八大分類,讓當代攝影的面貌變得無比清晰
 
一次大戰後,匈牙利藝術家納吉(Laszlo Moholy-Nagy)曾預言:「不了解攝影的人,未來將成為文盲。」但他那時卻無法預見,幾十年後數位相機將如何席捲全球,更無法預見,80年代之後的攝影創作,將掀起何等翻天覆地的變化。
影像的語言不斷推新,攝影的疆界不斷拓寬,攝影家集體推動的當代攝影像一具越滾越大的巨輪,悍然挖掘我們的集體意識、個人心靈。冷冰冰的肖像、亦真亦假的場景、直率到難以直視的裸照、如同業餘攝影的拙劣照片、吃剩的食物、吵架的家人……這些影像都堂堂出現在攝影集、美術館中,引起熱烈討論。我們或懾服於攝影家無懈可擊的美學手法,但也常對著某些影像大惑不解,懷疑這些照片的價值。當攝影變得越來越難定義時,我們如何看待這些似乎沒有規則可循的當代攝影?
在這本令全球注目的攝影書中,策展人夏洛蒂.柯頓從攝影的動機與理念出發,將攝影分為八大類,精闢的見解讓當代攝影的發展脈絡變得無比清晰。在「親密生活」中,看起來像是以傻瓜相機拍出的真誠照片,讓我們重新審視自己與家人、密友的關係。「編導式攝影」展現攝影家驚人的場面調度,將一則則都市寓言濃縮在一幅影像上。「冷面美學」力求超越人類肉眼的侷限,展現恢宏的史詩格局。「紀實攝影」已走出媒體,在藝術界找到新的表現舞台。攝影集與傳統底片沖印的文藝復興、網路的力量,更一再為攝影注入新生命……
當代攝影家展現驚人的創作能量,但這件事的意義,卻不是建造出一座座供人膜拜的藝術神殿。攝影的可貴,除了美學價值,還有內容意義。攝影家以他們的視角和手法,刻畫出生活中各種統馭著我們的無形力量,那是我們和身邊人事物的情感羈絆,是我們難以破除的恐懼和偏見,是社會、政治力量龐大的手……這些力量交織成密密麻麻的網,無時無刻牽動著我們,而我們卻難以看清。攝影家的意圖,無非就是把這些無形的網化為影像,讓我們以肉眼目擊。於是,當我們隨著作者的敘述,看清每張照片的意義和手法時,也等於換上攝影家的眼睛,對自己的生命,對身邊的一切,有了全新的洞察。
 
作者簡介
 
夏洛蒂.柯頓(Charlotte Cotton)
專業策展人。現為Bradford 國家媒體博物館創意總監,曾任洛杉磯國家藝術博物館攝影部主任、倫敦攝影藝廊策畫部主任、維多利亞暨亞伯特博物館策展人、耶魯大學客座教授及多所藝術學院客座藝評。著有《不完美之美》(Imperfect Beauty)、《之後,一切歸於平靜》(Then Things Went Quiet)、《蓋.伯丁》(Guy Bourdin)及本書。
 
譯者簡介
 
張世倫
台北人,1975年生,政大新聞研究所碩士,曾任博物館員、紀錄片企畫、雜誌記者等職,現為英國倫敦大學Goldsmiths學院文化研究中心博士候選人,譯約翰.伯格《另一種影像敘事》。


以下是我自己做的節錄,大家可能會讀出點什麼,卻又可能被誤導,所以還是期待大家去弄本原作來看



第1章 假如這是藝術 If This is Art

攝影已是當代藝術實踐的一員,而當代攝影也已遠離傳統概念所認定的攝影家創作之道。本章的攝影工作者善用策略或精心策畫的事件創作影像。雖然進行觀察(從不斷的事件中框取某一片刻)仍是本章許多攝影家的創作途徑之一,但這些人的藝術創作核心在於編導適合拍攝的事件。這種手法意味著,藝術家早在相機還未擺在現場的籌劃階段,便已展開創作。本章許多作品都和行為藝術或身體藝術一樣,都重視身體的本質,不過,觀看者並不像觀賞表演那樣直接目睹身體行為,而是看到一幅藝術創作的攝影影像。
 
概念藝術重視的是攝影那堅定、平凡的描繪力,他具備一種特殊的風貌:「非藝術」、「去技巧化」,以及「去作者化」,強調真正具有藝術價值的,是照片裡所描述的行為。這種攝影一方面採用20世紀中葉的新聞攝影風格:用隨意即興的快照(snap)手法來回應不斷發生的事件,使影像劇有一種未經預謀拍下的味道。照變的表現看似隨意,照片裡的藝術概念與行動卻是事先精心設想,兩者彼此抗衡。
 
攝影將自身定位為藝術,既是藝術行為的紀錄,也是藝術品,因此與藝術維持了一種曖昧的關係,而此一傳統,正是許多當代創作者發揮想像力運用攝影的原因。
 
攝影無論是行為藝術攝影家的詮釋工具,或藝術行為的最終結果,都一直是行為表演的一部分。
 
攝影能夠描述立體造型的形式、轉瞬即逝的事件,或兩者的結合,並將之化為平面的二度空間,而正是此一特性不斷吸引、挑戰著過去與現在的攝影家。在當代藝術攝影裡,媒材本質的問題不只涉及藝術家的使用技法,也常是整幅作品的主體(subject)。
 
本章其餘作品的重心是「重複」。此一手法或可類比為田野工作,或對假說的準科學驗證。攝影家重覆對臆測轉化為提案,這是由於重複的行為彷彿證實了某些事情。我們經常被要求比較事務的相似處以及相異處。
 
第2章 很久很久以前 Once Upon a Time
 
即便我們根據影像的安排,知道這些事物具有深遠的意義,但其含義,還有賴我們將自己所受的敘事訓練以及心理思緒投入影像中。
 
這類攝影創作將圖像敘事濃縮在單幅影像,及一張完整獨立的照片上,因此通常稱作劇畫(Apocrypga)或活人畫(tableau-vivant)攝影。...劇畫攝影的前身是攝影史前時代的藝術與18、19是既的具象繪畫,而我們若要理解那由角色、道具組成的意味深遠的故事片刻,也有賴這方便的文化涵養。當代攝影與具象繪畫十分相似,但我們絕不能將這點簡化成當純的模仿或者懷舊復古。反之,這種神似指出一種共識:編導出一幅場景,使觀影者理解畫面政訴說一則故事。
 
加拿大藝術家傑夫‧沃爾是劇畫攝影的先驅之一。...沃爾說明自己的作品包含兩大範疇:一是照片華麗修飾風格,運用故事的幻想本質彰顯照片的策略計謀。...另一範疇,是編排狀似微不足道的事件,宛如不經意撇見的場景。
 
建構這類場景所需的勞力與技術,幾乎等同於畫家在畫室耗費的時間與精力。這種為了攝影而特意備齊所有的事物的藝術手法,同樣質疑了攝影家是獨自作業的概念。創造劇畫攝影需要演員、助手、技術人員,這將攝影家的角色重新定位為指揮者,他指揮演員與工作團隊,是關鍵人物但非唯一製作人。攝影家十分近似電影導演,運用創意駕馭人們的集體幻想與現實。
 
劇畫攝影不藉由模仿電影來達到同等效果,即便真試圖這麼做,也注定失敗,因為兩者運作的方式不盡相同。電影、具象繪畫、小說及民間傳說,都只是劇畫室影的參照物,協助劇畫攝影創造出最多可能的意義,讓人們體會用他創意柔和真實與虛構,也用創意將特定主體與其象徵寓意暨心理意涵融合為一體。
 
在劇畫攝影裡,不同時刻可以合而為一,影響得以涵蓋一段跨越過去、現在到未來的連續時光,或指向另一個只露出一角的時刻/景框。劇畫攝影這種空間切割與時間暗示,很類似文藝復興時代祭壇繪畫(altarpieces)的手法:在同一張圖像理涵蓋不同時間點。劇畫攝影常以這種方式向昔日的特定藝術作品致意。
 
當代攝影以這種方式引用歷史上的視覺命題,等於確認了現代生活與其他歷史實及具有一些類似的象徵性與文化執念,而藝術作為當代寓言的編史者角色,也於焉確認。
 
劇畫攝影的一大主要特徵,便是聚焦於熟悉中的反常,作品的敘是意涵是顛覆社會或令人難以消受的,而這又表先在一種豐富且誘惑的視覺美學上。我們遠在理解作品的真實意義前便受到吸引,沉醉於享受與欣賞的境界。
 
我們在場景裡尋找故事(及便有跡象警告我們,這是擺設出來的虛假空間),而這有助於養成一種極為敏銳的觀點。場景的逼近感,及作品本身的巨大尺寸,使得我們不再只是面向空洞舞台的觀眾,而更像是探索者,反思自己在想像視覺與故事內容時,所需要的實質物件是多麼少,而能夠達成此一效果的攝影手法又是如此之多。
 
第3章 冷面 Dead Pan
 
近十年來,有越來越多攝影作品是為了藝廊展是而作,其中最突出,可能也是最普遍的風格就是冷面美學:一種冷靜、疏離且銳利的攝影風格。這些影像一旦印在書上,難免會流失一些細節,還請讀者見諒。我們必須將影像的宏大規模與令人平息的視覺清晰度默記在心,當觀眾親身體驗這些照片原件時,將壓倒一切。然而,看到拍攝者的自制與看似疏離的情緒。冷面美學使藝術攝影遠離那些誇大、感傷且主觀的表現手法。這些照片或許讓我們認識了充滿情感的題材,但攝影者能會有情緒卻不再是觀眾理解影像意義的明確指南。因此,攝影的重點在於超越個別觀點的侷限、洞察單一視角所看不見的面向,並刻劃出那些統馭人造世界與自然世界的各種力量。冷面攝影或許是以及特定的手法來描述其視覺主體,但它狀似中性與全面的是也堪稱史詩格局。
 
冷面美學自90年代開始盛行,尤其常用於地景與建築題材。如今看來,這種攝影風格的若干元素,正好契合當年藝廊與收藏界的風氣,其程度之深,甚至提升了攝影在當代藝術的地位。。藝術界尋求新潮流以抗衡既有的「藝術運動」,這股動力促成攝影再90年代初的顯赫發展。80年代藝術圈高度關注的,是繪畫與所謂新表現主義、主觀的創作風潮,再那之後,攝影則提供了一種客觀且近乎超然的表現模式,因此有種煥然一新的清新感及魅力。
 
他們對於世態進行深刻、長期的觀察,一種對攝影主題的駐足沉思,藉此傳達出場景蘊含的能量與個性。
 
地景與歷史建築得到關注,是因為這類場所原本就有的能量:將一層層時代壓所於一處。我們面對的不只是照片拍攝的當下,同時也是照片對消逝年華的描述,以及對過往文化與歷史事件的種種追憶。
 
他(Richard Misrach)以一種客觀的姿態見證了一座訴說著自身故事的場景,而也唯有去除專橫誇大的強烈個人色彩,攝影才能有效將此一場景化為影像。
 
以往我們認為一個人的生命歷程會化為符號,並顯現在面向上,而雙眼便是通往內在靈魂的窗戶,這種概念如今受到挑戰。假如冷面肖像揭露了一些現實或真理,那也集中在人們被拍攝時的細微反映;藝術家觀察的是被攝者如何面對眼前的攝影者與照相機。
 
街頭肖像稱得上是冷面肖像最流行的拍攝脈絡。喬伊‧史丹菲的肖像照不只質疑了透過外貌得以洞悉個人內在的想法,也揭露了拍攝前發生的事:史丹菲與陌生人洽談商量,希望從一個尊重對方的距離拍攝,他們只須暫時放下手邊工作,準備入鏡。人們對這件事情的反應,包括他們的抗拒,以及是否要暫停下日常生活工作的猶豫不決,都成為刻畫在影像裡的「事實」。
 
這一類街頭肖像清楚見證了拍攝者與被攝者的相遇,並藉此啟動觀者對影中人的臆測想像,而同一系列的每個影像之間的相似與相異處,更增強了這種視覺聯想。
 
第4章 物件與空無 SOMETHING AND NOTHING
 
本張照片拍攝的是人類以外的物體。他們通常平淡無奇,日常生活中舉目可見,卻能藉由攝影呈現特殊面貌。正如章名所言,日常生回用品在此顯然被當成拍攝重點,在照片中傳達若干意涵。然而我們對這類物件通常視而不見或漠視忽略,想當然耳也不會認為他們具有藝術上的拍攝價值。本章的攝影保留了物件的「物質性」(thingness),但藉由攝影的表現手法,創作者在概念上改變了物件的意涵。
 
攝影賦予俗世凡物一種視覺張力與想像空間,使他們超脫日常用途。他們的創作手法包括:感官且豐美的視覺處理、改變物體尺寸、置放在異常環境中、單純的物件並置,以及呈現造型或形式間的相互關係等。這種攝影流派的圖像學包括了物件的平衡與堆疊、物件邊緣或稜角、廢棄空間、垃圾與腐朽,以及稍縱即逝的各種形體,例如雪、凝結物或光線等。這張清單看似列了一連串微不足道、轉瞬即逝的事物,很難稱得上是值得費心的題材,但是我們要避免將這類攝影理解為只是在呈現微不足道的題材或是不具象徵意義的世間物件。事實上,就攝影題材來說,從來就沒有「未被拍攝」或「無法拍攝」這回事。題材的重要性取決於觀眾的解讀,而此解讀又取決於藝術家對題材的選取與刻意凸顯。這種作品以微妙且具巧思的方式激勵人們用嶄新的角度凝視周遭萬物,從而記起觀眾對影像的好奇心。
 
自60年代中葉起,一種有趣的概念主義靜物攝影便與後極簡主義雕塑的發展並駕齊驅。簡單來說,這種攝影流派受到一些相關藝術實踐的影響,例如藝術家打破工作室/藝廊與外在世界的隔閡,開始從日常生活取材創作。隨著這股潮流而來,是一種創作上共同傾向,探索如何在作品裡掩飾藝術家的技藝。觀者面對這種作品的反應,因此迥異於欣賞傳統的藝術史大師名作。我們不再問是誰的雙手以什麼方式創作了這件作品,而是問這個物件是如何變成這樣?是什麼樣的行為或一連串事件使其受到注目?當代雕塑(受到20世紀初期杜象以現成物創作的啟發)與當代攝影都能啟動這種概念上的動能。兩者都創造視覺謎團,擾亂觀眾對物品重量、尺寸的預測,以及對作品是否持久長存的預期。最重要的是,他們都挑戰了一個觀念:物件是獨自存在的造型形式,與周遭環境無關。
 
這種攝影幽默地質疑了人們對藝術品本值的期待。
 
視影像為影像(see the image as image),將影像視為付在一層表面上的造型組合,而這正是照片最基本的狀態。
 
在靜物攝影中,有一種視角頗具戲劇性:攝影家特別把重點擺在人們對周遭事物的觀看方式(或視若無睹)上。某種程度上,被檢視的其實不是影像裡的事物,而是人們對周遭環境的感受。



以上分享,期待下半本的摘錄囉!

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